Nangungunang 10 pinakasikat at magagandang buhay pa sa mundo

Ang direksyong ito ng pinong sining ay pinili noong ika-XNUMX siglo sa Holland. Siyempre, ang mga artista ay nagpinta ng mga bagay na walang buhay, ngunit kadalasan sila ay bahagi ng komposisyon.

Sa Russia, ang genre ng still life ay nakilala nang maglaon (noong ika-XNUMX na siglo). Sa loob ng mahabang panahon ito ay itinuturing na mas mababa, na itinuturing bilang isang produksyon ng pagsasanay. Gayunpaman, kahit ngayon, para sa karamihan ng mga tao, ang mga buhay pa rin ay isang walang kahulugan na anyo ng sining, karaniwan at hindi kawili-wili.

Ang mga artista ay naglalarawan ng mga prutas, kandila, bulaklak, pagkain at iba pang mga bagay, ngunit hindi ba may katuturan ang mga kuwadro na ito? Sa kabaligtaran, ito ay nakatago nang malalim na hindi lahat ng art connoisseur ay makakahanap nito. Kapag lumilikha ng mga still life, ginagamit ang mga simbolo at larawan, ang bawat isa sa kanila ay nakikilala sa iba't ibang sitwasyon at phenomena, damdamin at emosyon sa buhay.

Sa paglipas ng apat na siglo, ang isang malaking bilang ng mga pagpipinta ng genre na ito ay nilikha, ngunit kabilang sa mga ito ang pinakasikat na buhay pa rin ay maaaring makilala.

10 "Lilac", Pyotr Konchalovsky

Larawan "lilak" matatagpuan sa Latvian Art Museum (Riga). Nilikha noong 1951. Hindi lamang ito ang larawan ng magagandang bulaklak ng palumpong. Pyotr Konchalovsky ay isang tagahanga ng halaman, tinawag pa siyang "lilac singer". Sa buong buhay niya, nagpinta siya ng higit sa 40 magagandang still life na may katulad na tema.

Sa bersyong ito, ang mga sanga ng lilac ay nasa isang ordinaryong garapon sa isang marumi at magaspang na mesa. Contrast. Ang gawain ay nilikha sa simula ng mga panunupil ng Stalinist. Naunawaan ni Konchalovsky na ang kawalan ng katarungan ay naghari sa bansa. Ngunit ang mga bulaklak ay namumulaklak, at tila ang canvas ay may sariling amoy - tagsibol at pag-asa para sa pinakamahusay. Laban sa lahat ng posibilidad.

9. "Finnish Bouquet", Boris Kustodiev

Bulaklak na buhay pa noong 1917, na itinatago sa State Museum ng lungsod ng Arkhangelsk. Boris Kustodiev ay isang mahuhusay na pintor ng larawan, at “Finnish bouquet” nabibilang sa panahon ng Vyborg. Sa oras na ito, ang artista ay sumasailalim sa rehabilitasyon pagkatapos ng operasyon. Ang larawan ay ipininta sa isang sanatorium. Inilalarawan nito ang mga ordinaryong halaman: chamomile, thistle, fern. Ang pagguhit ay simple at hindi kumplikado, ito ay nakalulugod sa mata. Kapag nakita mo ang larawan, naiintindihan mo na ang kaligayahan ay karaniwan. Ang kagandahan ay malapit na, at para sa tunay na kagalakan kailangan mo ng kaunti.

8. Curtain, Jug at Fruit Bowl ni Paul Cezanne

“Kortina, pitsel at mangkok ng prutas” – isa sa pinakasikat at magagandang painting sa still life genre. Nilikha noong huling bahagi ng 90s ng siglo XIX. Noong 1999, ito ay naibenta sa auction para sa isang record na presyo na $60 milyon.

Sa katunayan, hindi mo basta-basta madadaanan ang larawang ito. Ito ay nakakaakit ng biswal sa mga hindi balanseng bahagi nito. Ang mga kulay ay kaibahan: ang lamig ng pitsel at ang init ng prutas. Salamat sa banayad na paglipat ng kulay, Cezanne nagawang magparami ng mga bagay na three-dimensional, three-dimensional.

7. "Still Life", Kazimir Malevich

Ang larawan ay nilikha noong 1910. Matatagpuan sa State Russian Museum. Malevich isinulat ito sa panahon ng mga malikhaing paghahanap. Pakiramdam niya ay isang repormador, nakipaglaban laban sa realismo, at itinuturing na klasiko ang isang kababalaghan na naging lipas na. marami sa kanya “Buhay pa rin” tila hindi pangkaraniwan: na parang ito ay isang hindi tamang pagguhit ng isang bata, at hindi isang bihasang artista.

Sa gitna ng trabaho ay isang puting plorera na may mga prutas, na ang ilan ay nasa mesa. Ang larawan ay heterogenous. Ang mga bahagi nito ay nabibilang sa iba't ibang estilo. Sa magandang gawaing ito, nais ni Malevich na ipakita na ang katotohanan ay pangalawa (na may kaugnayan sa pictorial form). Kahit dito ay mapapansin ng isang tao ang isang natatanging tampok na likas sa maraming mga gawa ni Kazimir Severinovich - ang paggamit ng mga maliliwanag na kulay, na naging isang simbolo ng hindi mapigilan na enerhiya ng artist.

6. "Still Life with Skull and Feather" ni Pieter Claesz

“Still Life na may Bungo at Balahibo” ay makikita sa Metropolitan Museum of Art (New York). Ito ay nilikha noong 1628. Nabibilang sa genre ng vanitas (mga buhay pa rin na nakatuon sa kamatayan).

Ang larawan ay maganda, ngunit nakakatakot. Isang bungo, isang nakabaligtad na salamin, isang patay na lampara ng langis - lahat ng ito ay mga simbolo ng transience ng buhay. Ang isang kapansin-pansing pagkakaiba sa pagitan ng pagpipinta na ito at ng marami pang iba na ginawa sa isang katulad na genre ay ang limitadong palette. Claes gumagamit ng ilang mga kulay at ang kanilang mga kakulay, na nagbibigay-diin sa kabigatan at kadiliman ng komposisyon. Nauunawaan ng bawat nagmumuni-muni ng larawan na ang buhay ay magtatapos balang araw, ang kaalaman at alak ay walang kapangyarihan - walang makakatulong sa isang tao na magkaroon ng kawalang-hanggan ...

5. "Vase of Flowers", Pierre-Auguste Renoir

Ang pagpipinta ay itinatago sa sikat na Cambridge Museum of Art. Renoir dalubhasa sa mga portrait at genre ng mga eksena. Ang mga bulaklak ay para sa kanya entertainment, relaxation. Mayroong isang bersyon na nilikha ng artist ang gayong mga pagpipinta para sa layuning kumita ng pera, dahil mahusay silang ibinebenta.

“Vase na may mga Bulaklak” isinulat noong 1866. Ang karaniwang palumpon ng hardin, na kinabibilangan ng mga pinakakaraniwang halaman. Matingkad ang mga kulay. Ang kaguluhan ng mga kulay ay nagiging paalala ng kagandahan at kasaganaan ng kalikasan. Ang kumbinasyon ng mga kulay ay klasiko, tama. Ang pagkakaisa at kapayapaan ang pangunahing mensahe ng imaheng ito.

4. "Mansanas at Dahon", Ilya Repin

Canvas "Mansanas at Dahon" na matatagpuan sa Russian Museum (St. Petersburg). Nilikha ito ni Ilya Efimovich noong 1879. Sa unang sulyap, ang imahe ay maaaring mukhang masyadong simple at hindi kumplikado: mga mansanas laban sa background ng mga dahon. Iyon lang ang komposisyon ay ginawa nang mahusay na may pakiramdam ng pagiging totoo. Ang larawan ay napakalaki at parang napuno ng hangin, ang pinakamaliit na detalye ay maingat na iginuhit. Siya ay maliwanag at nagpapahayag.

Ang gawain ay nilikha repin sa kasagsagan ng kanyang kasikatan. Sa sandaling iyon sa kanyang buhay, maganda ang kanyang takbo kapwa sa kanyang karera at sa kanyang personal na buhay. Ang ganitong mga pangyayari ay hindi maaaring makaapekto sa mood ng artist. Hindi nakakagulat na kapag pinag-iisipan ang canvas, lumitaw ang mga kanais-nais na emosyon at damdamin.

3. Fruit Basket ni Michelangelo Caravaggio

"Basket ng prutas" Nilikha noong 1596, na nakaimbak sa Ambrosian Library (Milan). Naniniwala ang ilang art historian Michelangelo tagapagtatag ng genre ng still life.

Ang imahe ay naturalistic hangga't maaari: ang basket ay nasa gilid ng mesa, ito ay puno ng prutas. Ang mga prutas ay pinutol kasama ng mga dahon, at ang mga unang palatandaan ng pagkalanta ay nakikita na. Ang kawalang-buhay ng komposisyon ay binibigyang diin ang tono - isang minimum na mga detalye.

Sa larawang ito, gustong ipakita ni Caravaggio ang paglipas ng panahon. Ang malago na pagiging bago ay pinalitan ng pagkabulok at kamatayan, hindi maiiwasan.

2. Bird cherry sa isang baso, Kuzma Petrov-Vodkin

Isa sa mga pinakatanyag na pagpipinta ng artista ng Sobyet. Nilikha noong 1932. "Bird cherry sa isang baso" matatagpuan sa State Russian Museum ng St. Petersburg.

Ang isang sanga ng cherry ng ibon ay napapalibutan ng mga random na nakakalat na bagay. Ang mga bagay ay walang nakikitang koneksyon sa isa't isa, ngunit ang imahe ay mukhang magkatugma. Mayroong isang bersyon na ang isang hindi mapagpanggap na hanay ng mga bagay ay nagpapakilala sa kalubhaan ng makasaysayang panahon kung saan ipininta ang larawan. Petrov-Vodkin.

1. Mga sunflower sa isang Dilaw na Vase, Van Gogh

Van Gogh itinuturing na master ng still life. Ang artist ay lumikha ng isang buong serye ng mga pagpipinta na nakatuon sa mga sunflower. Ang canvas na interesado sa amin ay nilikha noong 1888. Matatagpuan sa London National Gallery.

Sa larawan "Mga sunflower sa isang dilaw na plorera" isang magaspang na rustikong plorera ang inilalarawan. Ito ay maliit sa laki, at walang sapat na espasyo para sa mga sunflower, ngunit hindi lamang sa isang plorera, sa kalawakan. Walang kakaiba: ang natural na kagandahan ng mga kulay at ang ningning ng mga kulay. Para kay Van Gogh, ang dilaw ay nauugnay sa pag-asa at pagkakaibigan, at para sa kanya ang mirasol ay isang simbolo ng pasasalamat.

Tungkol saan ang larawang ito? Tungkol sa isang maganda at trahedya na buhay. Bulaklak, hayop, tao – lahat ng may buhay ay magwawakas balang araw. Dapat ba akong magalit tungkol dito? Ang bawat tao ay may sariling sagot sa tanong na ito, ngunit hindi na kailangang gumastos ng mahalagang minuto at oras sa mga alalahanin. Walang sinuman at walang makakapigil sa oras.